Teatro. El club de los poetas muertos

 teatrolalatina

 Director: Jesús Cimarro

El club de los poetas muertos

Desde el 11 de septiembre de 2026

Sinopsis

  En la rígida Academia Welton, la llegada del profesor John Keating marca un antes y un después. Con métodos poco convencionales y el grito de "Carpe Diem", Keating inspira a sus alumnos a amar la poesía y a buscar su propia voz más allá de las estrictas normas sociales. 

  Los jóvenes deciden retomar "El club de los poetas muertos", un espacio clandestino donde exploran sus sueños y deseos más profundos. Sin embargo, el despertar de sus conciencias chocará frontalmente con las expectativas de sus padres y la autoridad escolar, desencadenando una lucha trágica por la libertad individual. Un relato vibrante sobre la importancia de vivir con pasión y autenticidad.

Reparto

Juanjo Artero

Manu Rodríguez

Tomy Álvarez

Jacobo Camarena

Gabriel Flores

Lennon Jon Sharp

Álvaro de Paz

Sergio Aguado

Marcos Saneiro

Ficha artística

Autor: Tom Schulman

Dirección: Juan Luis Iborra

Diseño de escenografía: David Pizarro

Diseño de vestuario: Gabriela Salaverri

Diseño de iluminación: Juanjo Llorens

Música: Gerardo Gardelín

Coreografía: Luis Santamaria

Ayudante de coreografía: Carol Gómez

Una producción de Pentación Espectáculos y A&A

Teatros de Madrid. Lope de Vega

   

  El teatro Lope de Vega está situado en la Gran Vía. Lleva el mismo nombre que el antiguo teatro de los Basilios inaugurado en Madrid en 1850, ya desaparecido.

   Se encuentra en la manzana que ocupa los números 53, 55, 57 y 59 de la Gran Vía, situada entre la calle de San Bernardo y la calle de Isabel la Católica, que ocupa el solar de la desaparecida Casa Profesa de los jesuitas, incendiada en 1931. El solar fue adquirido en 1944 por la Compañía Inmobiliaria Metropolitana. La manzana fue edificada en sólo cuatro años: Edificio Lope de Vega, entre 1945 y 1949, con la dirección de Joaquín Otamendi y Julián Otamendi. Albergaba un gran centro comercial subterráneo, Los Sótanos; el hotel Lope de Vega y un teatro de igual nombre.

  El teatro fue inaugurado el 16 de abril de 1949. Se especializó en espectáculos musicales. En 1954 se instaló una pantalla de cine, convirtiéndose en «Teatro Cinema Lope de Vega», inaugurado el 12 de diciembre de ese mismo año.

  Actualmente el teatro Lope de Vega ha recuperado su nombre original y desde 1997 es un referente del teatro musical en la Gran Vía, que ha pasado a conocerse como el Broadway español. Éxitos como La bella y la bestia, El fantasma de la ópera, Mamma Mia!, Spamalot, Jesuscristo Superstar, El rey león o Los miserables, todos ellos producciones de Stage Entertainment, han sido disfrutados por infinidad de espectadores. En 2011 sufrió una profunda reforma, respetando su riqueza histórica, para acoger el estreno en España del musical El rey león.

Dispone de servicio de cafetería con tres barras y una capacidad para 1456 personas.

  Teatro 

   de la

Zarzuela

La verbena de la Paloma

Sainete lírico en un acto

Con el prólogo cómico-lírico Adiós, Apolo

Música TOMÁS BRETÓN

Libreto RICARDO DE LA VEGA

Texto de la introducción ÁLVARO TATO

Durante la verbena de la Virgen de la Paloma en el castizo barrio de Lavapiés, los erizados celos de Julián hacia su novia Susana, que flirtea con el longevo y rico boticario Don Hilarión, le llevan a protagonizar singulares enredos. Y como prólogo, Adiós, Apolo, rinde homenaje al género, la época, la profesión —con la contextualización de sus intérpretes— y al público de la Zarzuela.

Ficha Artística

Dirección musical CARLOS ARAGÓN

Dirección de escena NURIA CASTEJÓN

Escenografía NICOLÁS BONI

Vestuario GABRIELA SALAVERRI

Iluminación ALBERT FAURA

Reparto

Don Hilarión TONI COMAS; Don Sebastián GERARDO LÓPEZ (días 23, 25, 27 de septiembre y 1, y 3 de octubre de 2026) / JORGE RODRÍGUEZ NORTON (días 24, 26, 30 de septiembre y 2 y 4 de octubre de 2026); Julián BORJA QUIZA (días 23, 25, 27 de septiembre y 1, y 3 de octubre de 2026) / CÉSAR SAN MARTÍN (días 24, 26, 30 de septiembre y 2 y 4 de octubre de 2026); Señá Rita MILAGROS MARTÍN; Susana CARMEN ROMEU (días 23, 25, 27 de septiembre y 1, y 3 de octubre de 2026) / MARÍA REY-JOLY (días 24, 26, 30 de septiembre y 2 y 4 de octubre de 2026); Casta ANA SAN MARTÍN (23, 24, 25, 26, 27 y 30 de septiembre) / LARA SAGASTIZABAL (1, 2, 3 y 4 de octubre); Tía Antonia GURUTZE BEITIA; Cantaora SARA SALADO; Tabernero RAFA CASTEJÓN

Orquesta de la Comunidad de Madrid

Titular del Teatro de La Zarzuela

Coro Titular del Teatro de La Zarzuela

Director: Antonio Fauró

Teatros de Madrid. Lara

 

   Construido en 1879 en el número 15 de la Corredera Baja de San Pablo. Nació de la iniciativa particular del "plutócrata Cándido Lara", y fue inaugurado el 3 de septiembre de 1880. Entre los estrenos más importantes habidos en él, destacan "Los intereses creados", de Jacinto Benavente, en 1907, y el ballet de Falla "El amor brujo", en 1915. Dispone de un aforo de 464 personas y nueve palcos.

  Aconsejado por el antiguo revendedor de billetes Ramón García, buen conocedor del funcionamiento del público madrileño, el empresario Cándido Lara, tan astuto negociante como ignorante en materia teatral, aceptó la sugerencia de aquel de incluir un teatro en el nuevo edificio de vecinos que estaba construyendo en la Corredera. Así fue levantado el Lara aprovechando los dos espaciosos patios de que disponía la finca y el solar contiguo a la calle de San Roque número 10. El proyecto fue del arquitecto Carlos Velasco que diseñó un local con tres vestíbulos, "pequeño, proporcionado y de agradable aspecto", conocido popularmente como la Bombonera de don Cándido. Fue inaugurado  con la obra de Bretón de los Herreros "Un novio a pedir de boca". Siguiendo la consigna de su opulento dueño y empresario de "contratar los actores más caros", se estrenó el local con la singular compañía formada por actores de la talla de Julián Romea, Balbina Valverde, o el cómico Antonio Riquelme.

   El local, inspirado según algunos estudiosos en el «Palais Royal» parisino, presentaba fachada clásica con tres cuerpos con zócalo, "orden gigante intermedio" que abarcaba "dos plantas y las galerías de coronación". Dentro, la sala se distribuía en cuatro pisos con "delicada estructura de fundición y barandillas", todo con mucho gusto y bien proporcionado. El diseño incluía un café en la planta baja que no llegó a instalarse al negarse a ello los actores de la compañía reunida para el lanzamiento del local. Los planos muestran también que la entrada a los fosos del escenario se hacía por la finca vecina, con entrada por la calle de San Roque, que con las reformas sería sustituida por la escalera de incendios y la zona de carga y descarga. Debido a la normativa municipal vigente en 1872, dispone de claraboyas en la cúpula, telón de acero y dos depósitos de agua, uno en el techo y otro en el suelo, como medidas contra los incendios.

  Sin especializarse en ningún género, abarcó desde el popular género chico a la comedia burguesa. En él actuaron algunos de los más destacados intérpretes españoles de los siglos XIX y XX, como Lola Membrives, Rosario Pino, Leocadia Alba, Catalina Bárcena, Emilio Thuillier, Jerónima Llorente o Ricardo Zamacois. Entre sus estrenos de mayor éxito estuvieron "Los intereses creados" (1907) de Benavente, "Canción de cuna" (1911) de Martínez Sierra, o el ballet de Falla, "El amor brujo" (1915).

  A la muerte de Cándido Lara, en 1915, quedó el negocio en manos de su hija y con la dirección Luis Yáñez. Entre 1910 y 1930, la empresa superó el inconveniente urbanístico que supuso la dilatada construcción de la Gran Vía madrileña y que bloqueó el acceso a la Corredera. Se aprovechó el impás para hacer obras en el edificio, que en 1916 se le confiaron al arquitecto Pedro Mathet que hizo desaparecer el querido café donde hicieron tertulia Vital Aza, Benavente, Echegaray, Martínez Sierra, Julián Romea y los hermanos Álvarez Quintero, pero le diseñó una portada 'al gusto francés'.

   A punto estuvo de desaparecer el Teatro Lara poco antes de la guerra civil. Y no fue esta vez por la voracidad de un incendio o por la ambición no menos voraz de los especuladores inmobiliarios. La amenaza vino de su propietaria, Milagros Lara, hija y heredera del adinerado don Cándido que, por desconocido despecho dictó en su testamento que fuera derribado el teatro y construida allí una casa de vecindad, "cuyas rentas acrecentarían los ingresos de determinadas obras pías".

   Siendo en aquellos días Ministro de Instrucción Pública y Bellas Artes republicano el institucionista Fernando de los Ríos y habiendo recibido "numerosas súplicas" para que evitase el derribo del Lara, resolvió "modificar la cláusula testamentaria, aplicando los alquileres del teatro a la "obra pía", que así resultó más beneficiada, pues se ahorraron los gastos de derribo y reconstrucción".

   Aún pudo seguir el Lara deleitando a su público, cada vez menos exquisito, durante casi medio siglo más, hasta que fue cerrado en 1985. Tras su remodelación a cargo del constructor Luis Ramírez, su nueva dueña Carmen Troitiño, reabrió sus puertas el 14 de marzo de 1994, reestrenando una versión de la obra de Alfonso Paso "Enseñar a un sinvergüenza".

Teatro. La ópera de los tres centavos con COQUE MALLA

 TEATRO

INFANTA

 ISABEL

MADRID

La ópera de los tres centavos con COQUE MALLA

De Bertolt Brecht (texto) y Kurt Weill (música) en colaboración de Elisabeth Hauptmann

En “La ópera de los tres centavos” Bertolt Brecht pretende denunciar la prostitución, la miseria y el abuso de poder en plena crisis económica: la obra se estrenó en Berlín en 1928, una época (el final de la década de los años veinte) convulsa. El texto de Brecht es una crítica feroz contra el capitalismo. Para ello, el autor lleva a escena una revisión actualizada de la parodia musical “La ópera de los mendigos”, del inglés John Gay, y enseña al mundo la version más cruda de este sistema económico, que Brecht considera que funciona como una gran maquinaria de delito organizado.

“La ópera de los tres centavos” es una obra teatral en un prólogo y tres actos, con música de Kurt Weill y libreto en alemán de Bertolt Brecht.

Barco Pirata, Unahoramenos produccciones y el Teatro Pérez Galdós traen a la actualidad esta obra, bajo la dirección de Mario Vega (Unahoramenos Producciones) y con Coque Malla en el papel protagonista.

Ficha artística y técnica

ELENCO

Coque Malla

Andrea Guasch

Carmen Barrantes

Paula Iwasaki

Cristina García

Miquel Mars

Diego Molero

Pablo Novoa

Néstor Ballesteros

Cover

Dulcinea Juárez

Músicos

Miguel Malla (Saxofón tenor y clarinete bajo)

Daniel Rouleau (Saxofón alto, saxofón soprano, flauta y piccolo)

Evgeni Riechkalov (Trompeta I)

Gabriel Marijuan (Percusión y trompeta II)

Roberto Bazán (Trombón y contrabajo)

Néstor Ballesteros (Piano, celesta y armonio)

Pablo Novoa (Guitarras y banjo)

Carmen Barrantes (Cello)

EQUIPO ARTÍSTICO Y TÉCNICO

Dirección Mario Vega

Texto Bertolt Brecht en colaboración con Elisabeth Hauptmann

Música Kurt Weill

Dirección musical Miguel Malla

Diseño de Iluminación Juan Gómez – Cornejo

Diseño de Vestuario Elda Noriega

Diseño de Escenografía Mario Vega

Diseño de Sonido Pilar Calvo

Movimiento y Coach Vocal Óscar Martínez – Gil

Ayudante de Dirección Ruth Sánchez

Ayudante de Iluminación Pilar Valdelvira

Ayudante de Vestuario Natalia Cieza

Ayudante de Escenografía Berta Navas

Dirección de Producción y Producción Ejecutiva Nuria – Cruz Moreno

Adjunto Dirección de Producción Fabián Ojeda Villafuerte

Jefa de Producción Blanca Serrano

Ayudante de Producción y Regiduría Paco Flor

Asistente de Producción Vanessa Tejero

Dirección Técnica Alberto Hernández de las Heras

Técnico de Maquinaria David González

Técnico de Iluminación Eduardo Vizuete y Raúl Baena

Técnico de Sonido Ricardo Márquez, José Peña y Rubén Muiño

Sastrería Jennifer Alonso

Asesoría Coral Jennifer Alonso

Construcción de Escenografía Maroto & Vergara

Asesoría técnica Escenografía Eduardo Rodríguez

Acabados Escenografía Paul Jara

Alquiler de Vestuario Peris Costumes

Confección de Vestuario Elda Noriega, Nines G. Cano y Carlos Pinilla

Administración Henar Hernández

Jefa de Prensa María Díaz

Fotografía Cartel Sergio Parra

Transporte FJS Transportes

Distribución Fran Ávila Producción y Distribución

Una producción de Teatro Pérez Galdós, Barco Pirata Producciones Teatrales, Unahoramenos producciones en coproducción con el Auditorio de Tenerife.

Teatro. Personas, lugares y cosas. Duncan Macmillan

 TEATRO 

ESPAÑOL

Personas, lugares y cosas

Duncan Macmillan

   Vuelve el aclamado drama de Duncan Macmillan, una de las obras más impactantes del teatro contemporáneo, al Teatro Español con una premiada protagonista de excepción: Irene Escolar. Con una puesta en escena del multipremiado Pablo Messiez, esta producción sacude al espectador enfrentándolo a la fragilidad y la fortaleza del ser humano.

   Un viaje vertiginoso a través de la adicción, la identidad y la redención. Emma, una actriz atrapada en el torbellino del éxito y la autodestrucción, ingresa en rehabilitación, pero ¿puede interpretar el papel de su vida cuando ni siquiera sabe quién es realmente? Entre alucinaciones, terapia y la lucha por la verdad, la obra nos sumerge en una experiencia teatral intensa, visceral y profundamente humana.

   Una actriz entra en rehabilitación tras colapsar en escena. Cuando intoxicarse parece la única manera posible de sobrevivir al mundo moderno, Emma tendrá que enfrentarse a sus demonios y ver si es capaz de conseguirlo.

 

Nota del director

  En Personas, lugares y cosas, Duncan Macmillan acompaña los días del proceso de desintoxicación de Emma junto a un grupo de pacientes con casos de consumo problemático de sustancias.

Ella es actriz y llega al Centro luego de, aparentemente, haber tocado fondo.

  Ya en la primera acotación de la obra el autor nos dice: “Vemos lo que ella ve”, dejando así que las escenas se vean afectadas por la percepción de una mujer bajo la influencia, y diciéndonos a la vez que ella es también, al menos por un rato, nosotros.

En la misma acotación inicial, continúa: “Cuando la escena cambia en torno a ella, Emma es consciente de lo que pasa”.

Y es en el final de esta frase donde se intuye la apuesta ideológica de la obra.

Emma -nosotros- somos conscientes de lo que pasa. El cuerpo siempre sabe lo que pasa. El problema es que muchas veces nos cuesta escucharlo.

   Lejos de plantear un mundo dividido en adictos y no adictos, o de pensar el consumo problemático como algo cercano a la fatalidad, Emma, puede reconocerse responsable. Saber que desde su lugar de privilegio está eligiendo -como en el teatro- hacer lo que hace y darle su vida a ello. Aunque cueste aceptar como elección del propio cuerpo el lastimarse.

  Es el reconocimiento de esa complejidad lo que le permite ver su deseo y entender entonces que si se trata de elegir, mejor elegir aquello que brinde más alegría que tristeza. Más vida que muerte. Aquello que aumente su potencia de obrar. En definitiva, elegir actuar. Decir: estoy aquí, esta es mi vida. Y hacerse cargo.

   Porque Emma sabe que la vida es tan real -o tan irreal- como el teatro. Que se trata de pactos que vamos aceptando y que por lo tanto, podemos cambiar.

  Pero no es este un drama didáctico moralizante. En todo caso es un planteo ético acerca de cómo gestionamos el dolor y el placer. Todos los argumentos, como si se tratara de una tragedia griega, son de una solidez que convence. También como en las tragedias, hay personajes y coro, y una tensión constante e irresoluble entre lo apolíneo y lo dionisíaco. Entre la lógica de la razón y los misterios del cuerpo.

Personas, lugares y cosas no busca sentar cátedra sobre ninguna cuestión (la obra se cierra con un “Por qué” suspendido en el aire) sino poner en escena -con lucidez, humor y afecto- la complejidad, el absurdo y la maravilla de estar vivos.

Pablo Messiez

Ficha artística

Autor: Duncan Macmillan

Adaptación y dirección: Pablo Messiez

Reparto (por orden de intervención):

Emma: Irene Escolar

Konstantin/ Marc: Javier Ballesteros

Pol/ Padre: Tomás del Estal

Pastor: Pepe Sevilla

Doctora/ Terapeuta/ Madre: Sonia Almarcha

Charlotte: Claudia Faci

Juan: Daniel Jumillas

Laura/ Enfermera: Mónica Acevedo

Moni/ Enfermera: Blanca Javaloy

T: Manuel Egozkue

Doble de Emma: Josefina Gorostiza

Escenografía: Max Glaenzel

Vestuario: Silvia Delagneau

Iluminación: Carlos Marquerie

Espacio sonoro y Música original: Óscar G. Villegas

Movimiento escénico: Josefina Gorostiza

Ayudante de dirección: Miguel Valentín

Ayudante de escenografía: Gonzalo Acero

Ayudante de vestuario: Beatriz Carballo

Fotografía cartel: Pablo Zamora

Fotografía de escena: Mario Zamora

Equipo técnico compañía

Regiduría: David Naranjo

Iluminación: Andrés Dwyer y David Benito

Sonido: Ale de Miguel y Oriol Torrent

Maquinaria: Miguel Angel Jiménez Marrupe 

Sastrería: Estrella Baltasar

Ayte. de producción: Aurora Carragal

Realización escenografía y atrezzo: Readest Montajes, Big image

Realización gaviota: Jaime Polo

Realización vestuario: Iñaki Cobos, Crin escénica

Producción Calle Cruzada: Alicia Calôt e Irene Escolar

Una producción de Calle Cruzada y el Teatro Español con la colaboración del Teatro Calderón de Valladolid

Agradecimientos: Ruy Arroyo (fundador Charlas adictivas y especialista en el tratamiento de las adicciones), Francisco Pereña, Juan Carlos de Vicente (Gabinete Asistencia Médico Psicológica), Alicia Moreno, Mar Montávez, Carlos Marqués-Marcet, Carmen Marcet, Pablo Zamora, Jesús Rodríguez Pyn, Irene Vivas, Sala 25, Manoir de la Moissie y Rocío E.Viñolo