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viernes, 14 de agosto de 2026

Exposición.Leche, nieve, lágrima, mano El saber hacer de Blanca Sánchez

 MUSEO NACIONAL

  CENTRO DE ARTE

    REINA SOFIA



Leche, nieve, lágrima, mano

El saber hacer de Blanca Sánchez


   Ya lo decía Susan Sontag: gusto por el exceso, ironía sin cinismo. Pero también tenía la certeza de que el artificio, esas imágenes que consumimos y de las que nos apropiamos, alberga el reflejo de una misma. 

   Leche, nieve, lágrima, mano. El saber hacer de Blanca Sánchez se ocupa del modo de trabajo de Blanca Sánchez Berciano (Madrid, 1948-2007), indisociable de su ser y estar. Comisaria, gestora cultural y coleccionista, aquí se destaca su impulso creativo desde lo camp y su práctica de collage como metodología para construir una realidad conceptual basada en articulaciones de fragmentos visuales y materiales. 

  Formada entre Londres, Frankfurt, París y Colonia, en 1971 regresó al Madrid franquista. Durante sus casi cuarenta años de carrera, trabajó en equipos como los de las galerías Vandrés (1971-1980) y Vijande (1981-1986), y el Círculo de Bellas Artes (1992-2006). Aunque muchos de los materiales ahora reunidos dejan entrever la efervescencia de la movida madrileña, de la que Sánchez fue una figura central, la muestra abarca toda su trayectoria. La amplia y a veces incierta datación de estos materiales define esta propuesta curatorial: se reconoce la práctica creativa de Sánchez como una constante. 

 Esta aproximación queda materializada en la mesa central de la sala, que remite al espacio de trabajo de Blanca Sánchez, un lugar donde convivían de igual a igual desde documentos a flores. Así, envoltorios de chocolates, azucarillos, fotografías y recortes son dispuestos para generar asociaciones intuitivas. También se presentan notas que remiten a su faceta profesional, que advierten cómo el ejercicio asociativo desarrollado en sus álbumes, aparentemente incoherente, conformó una lógica collagista con la que se movía entre tareas y tiempos. Alta y baja cultura no eran para Sánchez opuestas, sino zonas de contacto. 

Apoyada en estos documentos, Leche, nieve, lágrima, mano revisa la labor de Sánchez desde su hacer, por la que se convierte en figura clave en la cultura madrileña de los últimos cincuenta años. Su presencia se invoca en la pieza anónima que da título a la exposición, conservada en el Archivo Blanca Sánchez Berciano. Blanca en un vaso de leche. Blanca cotidiana, cruda y efímera como la nieve. Una Blanca que se emociona, que llora y ríe, y que invita a tender la mano unas a otras.

miércoles, 12 de agosto de 2026

Exposiciòn. La historia no se repite, pero rima. Dumile Feni: Guernica africano

 MUSEO NACIONAL

 CENTRO DE ARTE

    REINA SOFIA



La historia no se repite, pero rima. Dumile Feni: Guernica africano

hasta el 22 sep 2026

Edificio Sabatini, Planta 2, Sala 205.08



    La historia no se repite, pero rima es un nuevo programa del Museo Reina Sofía que pretende establecer un diálogo entre Guernica (1937) de Pablo Picasso y otras obras de arte significativas que presenten ciertos paralelismos en sus modos de representación o preocupaciones temáticas, pero procedentes de distintos contextos históricos y culturales. En esta primera entrega de la serie, comisariada por Tamar Garb, la emblemática obra de Picasso puede verse por primera vez junto a African Guernica [Guernica africano] (1967) de Dumile Feni (Worcester, Sudáfrica, 1942 – Nueva York, 1991), uno de los artistas clave de la modernidad africana. 

   La obra de Dumile Feni, de marcado carácter biográfico, surge en el contexto de violencia estatal y opresión racial institucionalizada del apartheid sudafricano. Creado durante la década de 1960, African Guernica invoca la obra de Picasso, no solo en su título sino en sus sinergias con el vocabulario visual del artista español. De esta manera, el gran dibujo a carboncillo de Dumile Feni recurre también a la simplificación y distorsión expresiva de las figuras, al tono monocromático y la iluminación dramática, a la abstracción y dislocación del espacio o, incluso, a las conjunciones entre animales y seres humanos. Pero no son solo los elementos formales los que resuenan en las versiones española y africana de Guernica, también es crucial el uso compartido de una escala monumental para poner de relieve la violencia inherente a todas las situaciones de guerra, discriminación y opresión de la historia.

Aunque se ha expuesto con frecuencia en Sudáfrica, African Guernica nunca ha viajado al extranjero. Dispuesto en estrecha relación con la obra de Picasso por primera vez, esta presentación invita a quienes visitan la exposición a especular sobre las semejanzas y diferencias de las dos obras, realizadas en contextos históricos y geográficos diferentes, así como a conocer otras obras del artista sudafricano que también forman parte de la presentación. El enfrentamiento entre el grito de angustia antibélico de Picasso en el escenario de la Guerra Civil española con el dibujo sudafricano creado treinta años después en el contexto de cruda violencia del apartheid sudafricano invita a reflexionar de forma crítica sobre diferentes cuestiones que la muestra plantea. 

La historia no se repite, pero rima es un ciclo de intervenciones en la colección del Reina que consisten en yuxtaponer un equivalente al Guernica de otro tiempo o ámbito geopolítico, contextualizado por un trabajo académico de historia del arte como marco inter­pretativo.

miércoles, 5 de agosto de 2026

Exposición. El cuadro del hambre

 Museo Nacional

      del Prado



El cuadro del hambre

27/4/2026 - 13/9/2026 



Este enorme cuadro (315 x 437 cm), hoy desconocido para el gran público, acaparó en su día todas las miradas en el museo, donde llegó a eclipsar a las figuras de Francisco de Goya y José de Madrazo durante el reinado de Fernando VII.

  “El objetivo es invitar al espectador a contemplar una obra que, más allá de sus méritos estéticos, nos ayuda a reflexionar sobre aspectos de la historia del arte que a menudo pasan inadvertidos", según Miguel Falomir, director del museo.

  Aclamada como un gran hito artístico de su tiempo, jaleada en la prensa, multiplicada en estampas, celebrada en canciones y poemas, esta pintura de historia también sirvió como artefacto político. La reconstrucción de su ubicación original en el Museo del Prado en 1819, convertida en uno de sus principales iconos —por encima de obras hoy indiscutibles como Las meninas—, desvela el peaje ideológico que impuso el absolutismo de Fernando VII.

  La muestra analiza, hasta el 13 de septiembre en la sala 66 del edificio Villanueva, el auge y caída de una gloria nacional que pasó de ser la metáfora visual más potente de la España del siglo XIX a convertirse en mera anécdota local. Mediante este ejercicio expositivo, el Prado invita a reflexionar sobre los vaivenes del arte y de la crítica, la propaganda, la invención del gusto y el papel de los museos.

lunes, 27 de julio de 2026

Exposición. Valeriano D. Bécquer (1834-1870): Los cuadros de costumbres

Museo Nacional 

    del Prado

 


 Valeriano D. Bécquer (1834-1870): Los cuadros de costumbres

Hasta el  4/10/2026


   El Museo presenta la exposición que reúne por primera vez los ocho cuadros que realizó Valeriano Domínguez Bécquer como parte de un encargo destinado al antiguo Museo de la Trinidad  tras cuya disolución pasaron al Prado. Para el desempeño de esta tarea se le concedió una pensión por Real Orden de 6 de febrero de 1865, extinguida en 1868 tras el derrocamiento de Isabel II. El conjunto de cuadros comenzó a dispersarse en 1877, al ser depositados en diferentes instituciones.

   Se trata de uno de los mejores ejemplos de la pintura costumbrista del siglo XIX en España, sin parangón en otros museos españoles, no solo por su calidad, sino también porque la sinceridad y objetividad del pintor lo convierten en un capítulo fundamental del realismo pictórico en nuestro país. Además, hay otra circunstancia excepcional y que resultó clave para la interpretación de las obras: se conserva íntegramente la documentación generada con las descripciones del propio pintor, cuyos extractos se han incluido en esta exposición.

   El artista efectuó tres entregas, cada una de las cuales corresponde a una provincia y presenta unos formatos y medidas divergentes. Las obras pertenecientes a Zaragoza y Soria fueron entregadas en 1866 —con dos y tres cuadros respectivamente— y las de Ávila en 1867, con otros tres. Durante estas campañas, Valeriano efectuó además numerosos dibujos. Aunque muchos se han perdido, algunos fueron fotografiados y otros sirvieron para las diferentes ilustraciones que dieron a conocer su trabajo. Algunas de sus pinturas también fueron copiadas al óleo o mediante el grabado, lo que muestra el enorme interés que la mirada realista del pintor despertó en las nuevas generaciones.

Pedro J. Martínez Plaza, Colección de Pintura del Siglo XIX

viernes, 24 de julio de 2026

Exposición. El Consejo de Estado y el Museo del Prado

 Museo Nacional 

    del Prado


El Consejo de Estado y el Museo del Prado

15/6/2026 - 20/9/2026 


    El Museo Nacional del Prado presenta, en colaboración con el Consejo de Estado, un nuevo itinerario temático que permite recorrer, a través de una selección de 13 obras, cinco siglos de historia política, institucional y cultural de España. 

  Desde Carlos V, fundador del Consejo, hasta destacados nombres de la Ilustración y el siglo XIX, el recorrido ofrece una nueva mirada sobre la colección permanente del Museo y muestra cómo el retrato fue, además de un género artístico de primer orden, una poderosa herramienta de representación del poder, la influencia y la memoria.   

   El Museo del Prado vuelve a proponer una nueva lectura de sus colecciones, en esta ocasión con una iniciativa que conmemora el V Centenario del Consejo de Estado a través de algunos de los retratos más destacados de quienes formaron parte de esta institución a lo largo de su historia. 

   La selección arranca con una figura esencial: Carlos V, fundador del Consejo de Estado, retratado por Tiziano en una de las grandes cimas del retrato del siglo XVI. A partir de ahí, el recorrido avanza por distintas etapas de la historia del retrato y, al mismo tiempo, por la evolución de la representación del poder en España.    

El itinerario, en el que han participado el Secretario General del Consejo de Estado , Leopoldo Calvo-Sotelo, y Javier Barón, jefe de Pintura del Siglo XIX en el Prado,  reúne tres ejemplos sobresalientes del retrato cortesano barroco: el duque de Lerma, pintado por Rubens; el conde-duque de Olivares, por Velázquez; y el duque de Pastrana, por Juan Carreño de Miranda. Estas obras no solo reflejan la relevancia política de sus protagonistas, sino también el extraordinario momento del retrato español, marcado por la influencia de las escuelas veneciana y flamenca.  

  El siglo XVIII está representado por grandes figuras de la España ilustrada, como el marqués de la Ensenada, retratado por Jacopo Amiconi, y el conde de Floridablanca y Jovellanos, inmortalizados por Goya. En ellos, el retrato ya no solo proyecta rango y autoridad, sino también ideas, reformas y una nueva concepción del servicio al Estado.    

  La propuesta se adentra después en el siglo XIX, cuando la representación de los personajes públicos se amplía con nuevos formatos y técnicas. En ese contexto destaca la obra de Antonio María Esquivel, que reunió a varios escritores que fueron consejeros en su retrato grupal dedicado a los poetas contemporáneos. Junto a la pintura, el recorrido incorpora también ejemplos de litografía y fotografía, mostrando cómo la imagen retratística se transformó y se difundió con mayor facilidad en el mundo contemporáneo.  

   Más allá de su valor conmemorativo, este itinerario responde a uno de los grandes objetivos del Museo del Prado: ofrecer nuevas formas de leer su colección permanente y acercar al público relatos que conectan el arte con la historia, la política y la cultura. Como en anteriores recorridos temáticos impulsados por el Museo, la iniciativa propone poner en diálogo obras de épocas distintas para revelar vínculos poco habituales y abrir nuevas perspectivas de interpretación. 

    En este caso, el eje es el Consejo de Estado, una de las instituciones más antiguas de la historia española, cuya trayectoria puede seguirse también a través de los rostros de quienes la integraron. El resultado es un recorrido que permite al visitante descubrir no solo obras maestras de la pintura europea y española, sino también una historia de continuidad institucional, de representación pública y de construcción de memoria. 

jueves, 16 de julio de 2026

Exposición. Revolución Cuántica

Espacio Fundación Telefónica


Revolución Cuántica



   Una exposición que explora los principios esenciales de la mecánica y la computación cuánticas, desentrañando cómo funcionan y qué retos plantean. Un salto de magnitud difícil de imaginar, capaz de resolver problemas que hoy resultan inabordables para la informática clásica.

   A mediados del siglo XX, la aplicación práctica de los principios de la mecánica cuántica dio lugar a una auténtica transformación tecnológica. De ella surgieron avances clave como los semiconductores, los láseres, la resonancia magnética o las telecomunicaciones globales, pilares fundamentales de la sociedad digital actual. Este primer gran salto demuestra cómo una teoría aparentemente abstracta ha tenido un impacto directo en nuestra vida cotidiana. 

    Hoy, todo apunta a que estamos a las puertas de una segunda revolución: la computación cuántica y el desarrollo de nuevas tecnologías basadas en estos principios. Desde las comunicaciones ultraseguras hasta los sensores avanzados o la metrología de alta precisión, la investigación cuántica abre escenarios inéditos. La aparición de ordenadores cuánticos promete un salto de magnitud difícil de imaginar, capaz de abordar problemas que hoy resultan inasumibles para la informática clásica.


martes, 14 de julio de 2026

Exposición. Robert Frank y Los Americanos

ESPACIO FUNDACIÓN 

      TELEFONICA


Robert Frank y Los Americanos 













        




  El Espacio Fundación Telefónica acoge hasta el 1 de noviembre, como parte del festival de fotografía PHotoESPAÑA 2026, una muestra que reúne la serie completa de Los Americanos, realizada durante el viaje que Robert Frank emprendió por Estados Unidos a mediados de la década de 1950.

  Robert Frank (Zúrich, Suiza, 1924 – Nueva Escocia, Canadá, 2019), pionero en la renovación de la fotografía como lenguaje artístico, logró cambiar la forma de mirar el mundo a través de una cámara. Esta exposición supone una oportunidad única para redescubrir uno de los proyectos fotográficos más influyentes del siglo XX, convertido ya en una declaración legendaria sobre Estados Unidos y sobre la propia fotografía.   

   Es la primera vez que se muestra el conjunto íntegro de la serie Los Americanos en España donde podrán verse 83 imágenes icónicas que además componen el libro más importante de la historia de la fotografía publicado en 1958. Las imágenes, que han sido prestadas por la Maison Européenne de la Photographie de París, causaron en su momento un gran impacto por su honestidad y su capacidad para mostrar lo que muchos preferían ignorar.

  Esta exposición, comisariada por David Campany, destacado experto internacional en la figura de Robert Frank, exhibe también copias de Frank procedentes del International Center of Photography de Nueva York y de colecciones privadas. La exposición permite así revisitar este emblemático proyecto.


viernes, 10 de julio de 2026

Exposición. Espacio y tiempo. La escultura en la Colección ABANCA

Casa America

        MADRID

 

Espacio y tiempo. La escultura en la Colección ABANCA

La exposición Espacio y tiempo. La escultura en la Colección ABANCA ofrece una perspectiva única sobre la evolución de la escultura a lo largo del tiempo, desde finales del siglo XIX hasta nuestros días, a través de 50 obras de 41 creadores.

El recorrido abarca desde los inicios del modernismo artístico y los modos regionales, representado por artistas como Isidoro Brocos y Rafael de la Torre Mirón, hasta la renovación escultórica de la posguerra con figuras esenciales como Baltasar Lobo, Eduardo Chillida y Jorge Oteiza. Culmina con obras que desafían los límites convencionales de la escultura, entre las que se encuentran las piezas expresivas de Francisco Leiro, la experimentación conceptual de Susana Solano o la construcción de narrativas abiertas en la obra de Juan Muñoz y Julião Sarmento.

El proyecto se enriquece con otras creaciones de la Colección ABANCA de artistas ampliamente reconocidos como Pablo Picasso, Fernand Léger o Julio González, de modo que no solo presenta una excepcional colección de esculturas, sino que invita a repensar su papel dentro del contexto de las artes plásticas, su relación con el espectador y su evolución en el tiempo. La escultura se reafirma como un lenguaje artístico vivo, capaz de evocar historias, desafiar convenciones y transformar nuestra percepción del espacio que habitamos.

Espacio y tiempo es la segunda propuesta expositiva que surge de la alianza entre Casa de América y ABANCA, una colaboración iniciada en septiembre de 2025 con el fin de impulsar la difusión del arte y la cultura.

La Colección ABANCA, declarada Bien de Interés Cultural en 2015, alberga un extraordinario patrimonio artístico y cultural que incluye pinturas, esculturas, fotografías y grabados. Espacio y Tiempo se nutre de esta rica colección para ofrecer esta gran retrospectiva escultórica y su diálogo con obras pictóricas.

Exposición comisariada por Diego Cascón, responsable de gestión artística de la Colección de Arte ABANCA.



martes, 7 de julio de 2026

Exposición. Rubens. La restauración de Venus y Cupido

 THYSSEN-BORNEMISZA

     M U S E O       N A C I O N A L

 

Rubens. La restauración de Venus y Cupido

sábado, 27 de junio de 2026

Exposición. Somos Naturaleza

Caixa Forum

Madrid


 Somos Naturaleza

Hasta el 7 de marzo de 2027 


     Exposición que propone una mirada poderosa y moderna sobre la biodiversidad a través de un recorrido inmersivo e impactante producido por OASIS Immersive Studios, en colaboración con National Geographic, en el que se descubre el corazón de la naturaleza y se promueve la protección del entorno. 

  La experiencia, inmersiva y participativa, dura 70 minutos. Comienza con el canto visual de Katerine Giguère en colaboración con Johnny Ranger, en el que imágenes de National Geographic invitan a redescubrir la majestuosidad de la naturaleza y su inagotable poder regenerativo.

   

  A continuación, la galería diseñada por Alex Le Guillou sumerge al público en una danza digital de células, raíces y organismos entrelazados. Émile Roy es el encargado de cerrar el recorrido con un mosaico viviente que celebra la resiliencia del mundo natural y la posibilidad de renovación a través del ingenio humano y la acción colectiva.

  Este proyecto cuenta también con el apoyo de Naciones Unidas, la Fundación David Suzuki y los Talleres para la Biodiversidad, entre otras organizaciones.  

jueves, 25 de junio de 2026

Exposición. Prado. Siglo XXI

 MUSEO NACIONAL

      DEL PRADO


Prado. Siglo XXI

Del 9 junio al 27 de septiembre de 2026 

      La exposición propone un recorrido por el proceso de transformación experimentado por el museo madrileño en el último cuarto de siglo.  

  Comisariada por Alfonso Palacio, Director adjunto de Conservación e Investigación, y Elena Cenalmor, Técnico de Museos en la Dirección Adjunta de Conservación e Investigación, esta muestra reúne una selección representativa de obras con las incorporaciones realizadas en los últimos veinticinco años, organizadas de forma cronológica y temática que centran la atención en la esencia del Museo.   

  A través de las obras adquiridas en este periodo y de un conjunto de confrontaciones estadísticas, se presenta la historia de una institución viva y abierta que, apoyada sobre el trabajo desarrollado por las generaciones anteriores, ha alcanzado en estos últimos años una posición de referencia entre los grandes museos del mundo. 

  La exposición se completa con una revisión de varias unidades del Museo y su trabajo que ejemplifican su cambio y evolución: la acción editorial, representada por la exposición de todos los libros publicados desde el año 2000; la acción formativa, a través de material gráfico recopilado sobre el Centro de Estudios; y las acciones de Restauración, Proyección nacional e internacional, Comunicación y Educación, presentadas a través de cuatro vídeos.

viernes, 19 de junio de 2026

Exposición. Carmen Laffón. Variaciones

THYSSEN-BORNEMISZA

   M U S E O    N A C I O N  AL


Carmen Laffón. Variaciones

lunes, 15 de junio de 2026

Exposición. El Greco, Velázquez, Goya: La Triada Inmortal

 Nomad Museo Inmersivo

         MADRID



El Greco, Velázquez, Goya: La Triada Inmortal

   El espacio Nomad Museo Inmersivo inaugura el 8 de mayo de 2026 una nueva experiencia que ofrece una inmersión profunda en el alma de España a través de sus pintores más icónicos. La exposición ilustra la evolución del arte español mediante una combinación única de proyecciones en alta definición, gráficos animados y una banda sonora cuidadosamente seleccionada.

   Tras el éxito global de otras experiencias de arte multimedia en Europa y Asia, el espacio Nomad acoge el estreno mundial de este viaje inmersivo que celebra a tres maestros que redefinieron la trayectoria de la pintura occidental. Es el caso de El Greco, maestro del Manierismo, conocido por sus figuras alargadas e intensidad espiritual, que tendió un puente entre la tradición bizantina y el Renacimiento. Velázquez, considerado el "pintor de pintores", cuya maestría de la luz y la perspectiva en la corte real se convirtió en una influencia fundamental para generaciones de artistas. Y Goya, el visionario revolucionario cuya obra transitó desde la elegancia del Rococó hasta las inquietantes "Pinturas Negras", capturando las convulsiones sociales y políticas de su tiempo.

   La exposición transforma el espacio en una obra de arte holística empleando animación multicanal y proyectores de alta resolución. De esta manera, las obras se proyectan sobre pantallas gigantes en diversos ángulos y se mueven al ritmo de una banda sonora dramática, atrapando al espectador en un torrente de color y emoción. A medida que el público visitante recorra el espacio, podrá ser testigo de cómo estos maestros pasaron de documentar el entorno a crear mundos psicológicos y atmosféricos profundos.   

  Más allá del espectáculo visual, La Tríada Inmortal sirve como una plataforma educativa. Los visitantes explorarán un área introductoria que incluye el Contexto Histórico, analizando eventos e ideas clave del Siglo de Oro español y la Ilustración; y Perspectivas Artísticas con información sobre las paletas específicas, técnicas y datos fascinantes sobre las vidas de El Greco, Velázquez y Goya.

   La exposición ha sido producida por VISION MULTIMEDIA PROJECTS, una compañía internacional con sede en Berlín que ha producido aclamados proyectos como Being Van Gogh y Bosch&Beyond, entre muchos otros.