Exposición. Tras la casa del artista. Arquitecturas del Museo Sorolla (1905-2026)

Tras la casa del artista. Arquitecturas del Museo Sorolla (1905-2026)

Del 15 de octubre de 2026 al 10 de enero de 2027

Comisariada por Covadonga Blasco Veganzones

El Museo Sorolla reabre sus puertas al público el 15 de octubre de 2026, tras un largo proceso de ampliación y reforma, inaugurando la exposición Tras la casa del artista. Arquitecturas del Museo Sorolla (1905-2026). Una muestra que invita a descubrir la historia de la casa de Joaquín Sorolla desde su construcción hasta la actualidad.

  Comisariada por Covadonga Blasco Veganzones, el recorrido de la muestra incluye pinturas, dibujos, esculturas, fotografías, planos, cartas y documentos de archivo para mostrar cómo la vivienda concebida por el artista ha ido transformándose durante más de un siglo para convertirse en el museo que es hoy en día.

La exposición da comienzo con una de las transformaciones más importantes de la casa en vida del pintor: la apertura del gran ventanal del estudio, un gesto que simboliza la estrecha relación entre arquitectura, luz y creación artística que con el correr del tiempo volvió a cegarse. A partir de ahí, la visita invita a descubrir cómo ha ido evolucionando la vivienda y ha sabido adaptarse a nuevas necesidades.

  También se podrá saber más sobre los orígenes del proyecto para descubrir cómo Joaquín Sorolla creó, junto al arquitecto Enrique María Repullés y Vargas, una vivienda que integraba la vida familiar, el trabajo artístico y la representación social. Planos, dibujos, correspondencia y fotografías permiten reconstruir este proceso creativo.

La muestra introduce a los asistentes en los nuevos espacios de la ampliación del museo proyectados por el estudio Nieto Sobejano Arquitectos, en los que la luz vuelve a convertirse en el elemento que articula la arquitectura: un patio evoca el patio andaluz y las salas, iluminadas cenitalmente mediante lucernarios, reinterpretan los antiguos estudios del pintor.

Exposiciones. El universo freudiano de Dalí

   THYSSEN-BORNEMISZA

 M  U  S  E  O     N  A  C  I  O  N  A  L

El universo freudiano de Dalí

Del 20 de octubre de 2026 al 24 de enero de 2027

   La relación de la obra de Salvador Dalí con los escritos de Sigmund Freud constituye una de las claves fundamentales que articulan su poética visual. Las condiciones que rodearon la infancia y adolescencia del pintor de Figueras crearon el caldo de cultivo para esta relación, que acabó convirtiéndose en una auténtica obsesión y que desembocó en la entrevista entre ambos en 1938, cuando Freud estaba exiliado en Londres. 

   Dalí tuvo acceso a traducciones de la obra de Freud desde principios de la década de 1920, cuando se alojaba en la Residencia de Estudiantes de Madrid. A partir de 1926, su obra se vincula progresivamente a la poética del surrealismo, inspirada a su vez por el médico vienés. A ella contribuyó de forma determinante con su "método paranoico-crítico", desarrollado a partir de los escritos de Freud. Con posterioridad a la entrevista londinense, elementos freudianos siguieron muy patentes en su periodo místico-nuclear. 

A través de esta  exposición, comisariada por Jaime Brihuega, el museo busca arrojar nueva luz a la heterogénea y prolífica obra de Salvador Dalí. La fascinación del artista catalán por los escritos de Sigmund Freud y el célebre encuentro entre ambos en 1938 constituyen el hilo conductor de la muestra, que propone una relectura del conjunto de su carrera, desde el complejo universo familiar de los primeros años hasta sus creaciones tardías en Cataluña. La exposición se organiza en seis secciones, dispuestas cronológicamente y vinculadas a capítulos decisivos de su biografía. Cada una de ellas se centra en obras de Dalí relacionadas con el pensamiento freudiano y se completa con pinturas y dibujos de referencia de Jean-Auguste-Dominique Ingres, Gino Severini, Jean Arp, Kurt Schwitters, Federico García Lorca e Yves Tanguy, así como de Santiago Ramón y Cajal y el propio Sigmund Freud. 

Nota: esta exposición contiene temáticas relacionadas con la sexualidad que, aunque tratadas desde una perspectiva histórica-artística, pueden incomodar a algún visitante.

Exposición. Teatro de grandeza. Arte, arquitectura y ciudad en el Madrid barroco

FERNÁN GÓMEZ

CENTRO CULTURAL

DE LA VILLA 

Teatro de grandeza. Arte, arquitectura y ciudad en el Madrid barroco

La exposición Teatro de grandeza. Arte, arquitectura y ciudad en el Madrid barroco se presenta como uno de los hitos del programa cultural Madrid barroco promovido por la Dirección General de Patrimonio Cultural y Paisaje Urbano del Ayuntamiento de Madrid con el teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa y la colaboración de la Biblioteca Nacional de España.

Comisarios: Delfín Rodríguez Ruiz (†) y Fernando Checa Cremades

Comisaria técnica: Helena Pérez Gallardo

Se trata de un proyecto expositivo que gira en torno al arte, la arquitectura y el urbanismo del Madrid de los siglos XVI a XVIII, momento de máximo esplendor de la Villa y Corte barroca. La muestra exhibirá más de 180 obras, muchas de ellas no expuestas hasta la fecha, procedentes un amplio elenco de prestadores -instituciones culturales y particulares- tanto del ámbito nacional (Museo de Historia de Madrid, Archivo de Villa, Biblioteca Nacional de España, Museo Nacional del Prado, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Museo Nacional Thyssen Bornemisza o Patrimonio Nacional) como internacional (Albertina Museum, Museo de la Academia de Bellas Artes de Viena, Galería degli Uffizi, Biblioteca Laurenziana de Florencia, Museo de Roma, Museos Vaticanos, entre otros).

Exposición. Mauritshuis ♥ Thyssen-Bornemisza

 THYSSEN-BORNEMISZA

 M  U  S  E  O     N  A  C  I  O  N  A  L

Mauritshuis ♥ Thyssen-Bornemisza

Obras maestras de La Haya

Del 9 de octubre de 2026 al 10 de enero de 2027

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y la Mauritshuis de La Haya intercambian de forma simultánea veinticinco obras destacadas de sus colecciones permanentes gracias a un acuerdo de colaboración entre ambas instituciones. En el caso de Madrid, se presenta un conjunto excepcional de obras maestras de los Países Bajos del siglo XVII -entre ellas Vista de Delft (h. 1660-1661) de Johannes Vermeer-, reunidas en las denominadas salas clásicas, un nuevo espacio expositivo del museo, cercano a las estancias dedicadas a esta misma escuela, ofreciendo así una visión más completa de esa extraordinaria y fecunda centuria.

La vinculación de la familia Thyssen-Bornemisza con los Países Bajos se remonta a comienzos del siglo XX, ya que Heinrich (1875-1947) se había instalado en La Haya tras la revolución húngara de 1919. Fue precisamente en esta ciudad donde nació y transcurrió la infancia de Hans Heinrich. A los lazos financieros y a la plataforma empresarial creada allí se unió su pasión por la pintura holandesa, uno de los capítulos más brillantes de su coleccionismo, iniciado por Heinrich y continuado por su hijo Hans Heinrich, quien orientó sus primeras adquisiciones en los años cincuenta del siglo XX hacia los maestros holandeses del siglo XVII. Precisamente Róterdam fue, en 1959, la ciudad elegida para iniciar la gira internacional de presentación de su colección y actualmente, el conjunto de pintura holandesa del siglo XVII constituye uno de los grandes activos del museo, completando de manera extraordinaria el panorama museístico español. 

  Las obras procedentes de la Mauritshuis que forman parte de la exposición que se presenta en Madrid abarcan un arco cronológico que se inicia hacia 1615 y se cierra en 1705. 

Las 25 pinturas se exhiben temáticamente a lo largo de tres salas. La primera está dedicada a los bodegones y a la pintura de género, con obras de Ambrosius Bosschaert, Jan Baptist Weenix, Adriaen Coorte, Pieter van Anraadt, Gerard ter Borch, Gerrit Dou, Pieter de Hooch, Abraham van Beyeren, Pieter Claesz, Nicolaes Maes y Jan Steen. El segundo espacio se abre a los paisajes y a las composiciones con figuras e incluye obras de Pieter Saenredam, Jan Both, Rembrandt van Rijn, Frans Hals, Jacob van Ruisdael, Salomon van Ruysdael, Gerrit van Honthorst y Hendrik Avercamp. En la tercera sala, por último, se muestran El Jardín del Edén y la caída de Adán y Eva, realizada por Jan Brueghel el Viejo y Rubens, y, en un espacio destacado, una de las grandes obras de paisaje de todos los tiempos: la Vista de Delft de Vermeer.

Exposición. El plano flexible. La colección de textiles del Banco de España

 

El plano flexible. La colección de textiles del Banco de España

  El Banco de España acoge del 28 de septiembre al 28 de marzo de 2027 en su Sala de Exposiciones una nueva muestra para dar a conocer su colección de textiles. Un recorrido por el arte textil entendido como un espacio de convergencia entre arte, arquitectura e industria.

  La muestra traza un recorrido en el que el tejido se transforma en un elemento activo que ayuda a organizar el espacio, absorber el sonido y generar experiencia sensorial. Tomando esta idea como punto central, la exposición analiza temas como la capacidad que tienen tapices para contar historias, la confluencia en el tejido de lo artesano y lo industrial o la recuperación de esta disciplina artística a partir de las reivindicaciones del feminismo. 

  La exposición se estructura en dos ámbitos. El primero reúne alfombras y tapices clásicos de la Colección Banco de España y destaca su papel en la definición del entorno arquitectónico: ordenando los espacios, modulando la luz y el sonido y contribuyendo a la configuración de los espacios institucionales. Esta parte combina lo funcional y lo representativo a través de manufacturas de la Real Fábrica de Tapices o conjuntos como los de Geraert Peemans, Urbanus Leyniers o Jacques Neilson.  

   La segunda parte analiza el significado del textil más allá de la funcionalidad. Las piezas tejidas se convierten en herramientas de experimentación formal y de reflexión crítica, profundizando en su dimensión política, social y simbólica. En este ámbito pueden verse propuestas de artistas como Esther Ferrer, Elena del Rivero, Narelle Jubelin, Elo Vega, Isabel Oliver Teresa Lanceta, Yto Barrada, Patricia Esquivias, Mercedes Azpilicueta Andreas Maria Fohr, Manuel Chavajay o Dora García. 

  De esta manera, la muestra plantea el textil a modo de campo abierto en el que se unen la materialidad, historia y lenguaje, creando una red de relaciones donde cada pieza contribuye a comprender del tejido como superficie, como estructura y como forma de pensamiento. Su título, El plano flexible, hace referencia a esa capacidad del textil para adaptarse, articular el espacio y generar nuevas lecturas de la colección desde una perspectiva transversal.

Exposición. ELI CORTIÑAS La máquina sueña con humo

  MUSEO NACIONAL

  CENTRO DE ARTE

REINA SOFIA

ELI CORTIÑAS

La máquina sueña con humo

Hasta el 08 de marzo de 2027

La máquina sueña con humo parte de la invitación del Museo Reina Sofía a Eli Cortiñas (Las Palmas de Gran Canaria, 1979) a revisitar The Most Given of Givens [Lo más dado de lo dado], obra videográfica producida por la artista en 2016 y adquirida recientemente para las Colecciones del Museo. La propuesta expositiva retoma, amplía y actualiza una investigación iniciada por la creadora hace más de una década donde aborda las relaciones entre la historia del cine, la historia de los museos y la reciente cultura digital desde una perspectiva que revela un complejo aparato colonial que moldea la mirada y la construcción de imaginarios y conocimientos. 

  En The Most Given of Givens, Cortiñas se centra en el cine, la máquina que a lo largo del siglo XX ha centralizado la producción de imágenes y que, por tanto, ha determinado qué cuerpos deben ser representados y qué memorias y relatos son legítimos, configurando de esta forma un régimen de visualidad específico. A través de un laborioso trabajo de archivo sobre found footage, la artista analiza la imagen cinematográfica de Tarzán, poniendo al descubierto cómo el cine hollywoodiense de aventuras se sirvió del cine de corte etnográfico para fabricar el imaginario popular sobre los pueblos africanos como un «otro» traducido por una mirada y lógica coloniales. En las películas sobre este hombre de origen inglés criado en la selva, las imágenes etnográficas filmadas en África con la intención de captar las formas de vida de sus pobladores fueron utilizadas a modo de paisaje de fondo —mediante la técnica de retroproyección—, sobre el que los actores eran filmados en primer plano. 

La capacidad expresiva de este collage cinematográfico surge del choque y la asociación de imágenes. Junto a multitud de fragmentos encontrados, la artista proyecta las imágenes actuales de una acrópolis griega en construcción, metáfora de una cultura europea hegemónica en ruinas que ha silenciado históricamente la presencia de cualquier cultura ancestral foránea. De este modo, Cortiñas pone en evidencia a quienes operan la producción de subjetividad frente a una otredad objetualizada.

  La artista utiliza la antesala del Espacio 1 para amplificar estas ideas espacial y escultóricamente, aludiendo al aparato del museo y a los nuevos dispositivos tecnológicos de producción y difusión de imágenes como la maquinaria que apuntala la construcción de conocimiento en nuestra contemporaneidad. Con ayuda de la inteligencia artificial y acudiendo a los archivos de imágenes licenciados con fines comerciales, la artista crea una escenografía que busca una falsa neutralidad. En un colorido pastel, en referencia a los croma usados como fondo en la producción de escenas de carácter digital, aparecen vitrinas vaciadas de los objetos expoliados durante el periodo colonial. Estos aun forman parte de numerosas colecciones europeas, a la espera de una restitución que no llega. El museo, invención occidental que durante décadas ha participado en la desacralización de objetos usurpados, es habitado aquí por nuevos amuletos y unas manos que tocan, clasifican, estudian o vigilan, gracias a la prótesis de los actuales artefactos sagrados.

  Parte de la historiografía contemporánea da por sentado que la historia no es neutra, que todo relato histórico implicaría una selección, una interpretación que genera omisiones y narrativas históricas dominantes que han ayudado a consolidar el poder de ciertos grupos sociales. Cortiñas nos sugiere, además, que los algoritmos no son neutrales: cada nueva herramienta tecnológica a nuestra disposición constituye un dispositivo cargado de una función simbólica que participa en la configuración de nuevos regímenes epistemológicos.

  En definitiva, Eli Cortiñas nos invita a desconfiar de la aparente transparencia de las imágenes, la tecnología y el aparato museográfico. Propone interrogar estos sistemas visuales y cognitivos no solo por lo que muestran, sino por las relaciones de poder que les afectan, así como por los contextos, los cuerpos, las memorias y las experiencias históricas que los producen y atraviesan.

Exposiciones. Tejiendo la vida cortesana. Tejidos y bordados de las Colecciones Reales

 Galería

de las

Colecciones

Reales

Tejiendo la vida cortesana. Tejidos y bordados de las Colecciones Reales

Hasta 12 de octubre de 2026

La Galería de las Colecciones Reales acoge hasta el 12 de octubre de 2026 en la sala de exposiciones temporales de la Planta -3, una exposición que presenta un conjunto de obras, la mayoría nunca vistas, de extraordinaria factura y belleza, que permiten al público acercarse a algunas de las más antiguas piezas textiles que conservan las Colecciones Reales.

Patrimonio Nacional cuenta con una de las colecciones textiles más importantes del mundo, la cual está integrada por conjuntos excepcionales, la mayor parte de los cuales pertenecieron o fueron encargados por los monarcas. 

A través de esta exposición se dará a conocer no solo los conjuntos más destacados que ornamentaron las estancias de aparato y los dormitorios regios, sino el funcionamiento de los oficios de palacio encargados de su creación y gestión.

Exposición. Fernando Brambila, pintor de los Reales Sitios

Galería

de las

Colecciones

Reales

Fernando Brambila, pintor de los Reales Sitios

Hasta el 12 de octubre

  La sala de exposiciones temporales de la Galería de las Colecciones Reales alberga hasta el 12 de octubre una exposición, que por primera vez reúne un conjunto tan numeroso de obras del pintor Fernando Brambila (Cassano d’Adda, 1763-Madrid, 1834), especializado en perspectivas, paisajes y vistas urbanas. 

  Brambila centró su trabajo en la representación de vistas topográficas, realizando a lo largo de su carrera dibujos y pinturas que después pasarían a la estampa. Su obra más importante es el conjunto de vistas de los Reales Sitios, pintadas al óleo sobre lienzo entre 1821 y 1833 por encargo del rey Fernando VII, ideados para ser colgados en gabinetes de los distintos palacios reales.

  Con este trabajo contribuyó al desarrollo de una imagen de los Reales Sitios que ha permanecido en la memoria colectiva gracias a su difusión a través de la Colección de las Vistas de los Sitios Reales del Real Establecimiento Litográfico.

Exposición. La transición estética. España, 1960-2020

 Fundación Juan March

Madrid

La transición estética. España, 1960-2020

16 octubre 2026 - 10 enero 2027

En casi todas las historias del arte hay un gran ausente: el público. La historia del arte consiste habitualmente en narrar qué hacen los artistas y no tanto en cómo lo recibe su público, que, por esa razón, no forma parte de ella. La excepción a esa regla es la historia del arte presentada en exposiciones y museos, que apelan al público por su propia naturaleza, porque presentan las obras originales visual y públicamente, y por eso son el medio primordial de su conocimiento por parte de todos.

En el caso de España, la recepción pública del arte internacional se produjo, con una demora de al menos treinta años con respecto al resto del mundo occidental, a partir de los años sesenta, cuando algunas iniciativas comenzaron a poblar un paisaje institucional semidesértico, que solo empezaría a igualarse al de los países de nuestro entorno a partir de los años ochenta del siglo pasado.

La transición estética. España, 1960-2020 es una exposición sobre el hecho de exponer y sus vicisitudes en nuestro país desde los años sesenta y hasta hoy. Presenta, con una selección de obras, audiovisuales y documentos variados, nuestra recepción del arte moderno y contemporáneo internacional a través de las exposiciones y las actividades de instituciones públicas y privadas, iniciativas individuales, galerías y espacios no oficiales o contraculturales desde 1960, en el contexto de la transición a la democracia durante los años setenta y ochenta y de los cambios en la cultura visual de un mundo que solo en las dos últimas décadas ya ha devenido global. 

La transición estética. España, 1960-2020La transición estética. España, 1960-2020

La transición estética. España, 1960-2020

Exposición. Pedro Moreno. Pro domo sua. Arte teatral y cinematográfico

 BIBLIOTECA

  NACIONAL

 DE ESPAÑA

Pedro Moreno. Pro domo sua. Arte teatral y cinematográfico

  La exposición “Pedro Moreno. Pro domo sua. Arte teatral y cinematográfico” propone un recorrido por la extensa y brillante trayectoria artística y profesional de este destacado creador, Premio Nacional de Teatro y reconocido, entre otros galardones, con los Premios Max y Goya por la excelencia de su trabajo.

  Se trata de un viaje a través de su itinerario vital, con un claro sentido narrativo de principio a fin. Sus inicios se sitúan en el mundo de la alta costura en los años sesenta, etapa que se prolonga durante casi dos décadas. Bajo la influencia de su mentor, Elio Berhanyer, y ante el auge del prêt-à-porter, Moreno da el salto al universo teatral y cinematográfico, donde encuentra su verdadero “lugar en el mundo” y el cauce ideal para su desbordante imaginación. A lo largo de casi cuarenta años desarrolla una intensa trayectoria creativa, que culmina en una etapa más íntima y personal, en la que mantiene intacto su impulso de “relatar historias” a través de una obra singular y profundamente característica. 

  La muestra no solo busca dar a conocer su producción artística, sino también desvelar el cómo y el porqué de su proceso creativo. Para ello, se articula en torno a distintos hitos que permiten comprender su concepción de la creación, al tiempo que propone al visitante diversas experiencias orientadas a generar momentos memorables durante el recorrido. Estas se ven enriquecidas por los testimonios de destacados profesionales del ámbito escénico y audiovisual, como José Carlos Plaza, Ana Belén, Víctor Ullate o Emma Suárez, que aportan su visión sobre el trabajo del maestro Moreno. 

  La Biblioteca Nacional de España, institución a la que Pedro Moreno ha legado parte de su ingente obra y que el propio artista reconoce como su segunda casa —fuente de documentación clave para muchas de sus investigaciones sobre vestuario en contextos históricos—, acoge ahora esta exposición como un regreso simbólico del “hijo pródigo”. En coherencia con el “latinajo” del título, el propio Moreno nos acompaña a lo largo del recorrido, guiándonos como si estuviéramos en su casa y desvelando las claves de lo que contemplamos.​

Sala Hipóstila de Biblioteca Nacional de España.

Del 23 de julio de 2026 al 10 de enero de 2027

Comisario: Pedro Moreno

Organiza: Museo Nacional de Artes Escénicas, en colaboración con Biblioteca Nacional de España

Exposición. Isabel Matoses. La imagen recuperada

 museo

LÁZARO 

 GALDIANO

Isabel Matoses. La imagen recuperada

08.07-06.09.2026

Esta exposición supone un reto y, al mismo tiempo, una oportunidad excepcional: presentar por primera vez en un museo la obra de una fotógrafa -Isabel Matoses (1930-1985)- que, pese a la calidad y originalidad de su producción, ha sido hasta ahora escasamente reconocida. Su recuperación permite completar una narrativa todavía inconclusa de la historia de la fotografía española y devolver visibilidad a una creadora cuya aportación resulta hoy importante para comprender la cultura visual de las décadas de 1970 y 1980.

   Compuesta por más de 70 imágenes, la muestra es una oportunidad excepcional para descubrir a una de las figuras pioneras y más singulares de la fotografía experimental española de la Transición, con una obra innovadora que desde hace cuatro décadas permanecía dispersa, inédita o fuera de la circulación pública.

  La trayectoria de Isabel se desarrolló al margen de los circuitos oficiales, con un elevado grado de autoaprendizaje e independencia, circunstancia que favoreció una mirada personal, libre de muchos de los condicionantes académicos de su tiempo. Su labor artística y pedagógica inspiró a nuevas generaciones de fotógrafos a explorar caminos experimentales más allá de los límites tradicionales del medio.

Defensora de la fotografía como forma de creación artística, combinó un sólido dominio técnico con una marcada vocación experimental, incorporando recursos procedentes de otros ámbitos visuales como el diseño, el grabado, el dibujo o el cine.

   Su obra abarca géneros diversos, desde el documentalismo y el retrato, hasta la fotografía de calle o la moda, pero encuentra su unidad en una constante exploración de las posibilidades expresivas de la imagen y entiende la cámara no solo como un instrumento para registrar la realidad, sino como una herramienta capaz de construir una visión propia del mundo.

Acompañada de la publicación de un libro-catálogo, Elaboraciones fotográficas (1969-1985), y comisariada por Begoña Torres, la muestra es una ocasión irrepetible para contemplar casi la totalidad de una obra innovadora que permanecía dispersa, inédita o fuera de la circulación pública y que se podrá descubrir en Sala Pórtico, Galería y Arte Invitado del Museo.

Exposición.Leche, nieve, lágrima, mano El saber hacer de Blanca Sánchez

 MUSEO NACIONAL

  CENTRO DE ARTE

    REINA SOFIA

Leche, nieve, lágrima, mano

El saber hacer de Blanca Sánchez

   Ya lo decía Susan Sontag: gusto por el exceso, ironía sin cinismo. Pero también tenía la certeza de que el artificio, esas imágenes que consumimos y de las que nos apropiamos, alberga el reflejo de una misma. 

   Leche, nieve, lágrima, mano. El saber hacer de Blanca Sánchez se ocupa del modo de trabajo de Blanca Sánchez Berciano (Madrid, 1948-2007), indisociable de su ser y estar. Comisaria, gestora cultural y coleccionista, aquí se destaca su impulso creativo desde lo camp y su práctica de collage como metodología para construir una realidad conceptual basada en articulaciones de fragmentos visuales y materiales. 

  Formada entre Londres, Frankfurt, París y Colonia, en 1971 regresó al Madrid franquista. Durante sus casi cuarenta años de carrera, trabajó en equipos como los de las galerías Vandrés (1971-1980) y Vijande (1981-1986), y el Círculo de Bellas Artes (1992-2006). Aunque muchos de los materiales ahora reunidos dejan entrever la efervescencia de la movida madrileña, de la que Sánchez fue una figura central, la muestra abarca toda su trayectoria. La amplia y a veces incierta datación de estos materiales define esta propuesta curatorial: se reconoce la práctica creativa de Sánchez como una constante. 

 Esta aproximación queda materializada en la mesa central de la sala, que remite al espacio de trabajo de Blanca Sánchez, un lugar donde convivían de igual a igual desde documentos a flores. Así, envoltorios de chocolates, azucarillos, fotografías y recortes son dispuestos para generar asociaciones intuitivas. También se presentan notas que remiten a su faceta profesional, que advierten cómo el ejercicio asociativo desarrollado en sus álbumes, aparentemente incoherente, conformó una lógica collagista con la que se movía entre tareas y tiempos. Alta y baja cultura no eran para Sánchez opuestas, sino zonas de contacto. 

Apoyada en estos documentos, Leche, nieve, lágrima, mano revisa la labor de Sánchez desde su hacer, por la que se convierte en figura clave en la cultura madrileña de los últimos cincuenta años. Su presencia se invoca en la pieza anónima que da título a la exposición, conservada en el Archivo Blanca Sánchez Berciano. Blanca en un vaso de leche. Blanca cotidiana, cruda y efímera como la nieve. Una Blanca que se emociona, que llora y ríe, y que invita a tender la mano unas a otras.

Exposiciòn. La historia no se repite, pero rima. Dumile Feni: Guernica africano

 MUSEO NACIONAL

 CENTRO DE ARTE

    REINA SOFIA

La historia no se repite, pero rima. Dumile Feni: Guernica africano

hasta el 22 sep 2026

Edificio Sabatini, Planta 2, Sala 205.08

    La historia no se repite, pero rima es un nuevo programa del Museo Reina Sofía que pretende establecer un diálogo entre Guernica (1937) de Pablo Picasso y otras obras de arte significativas que presenten ciertos paralelismos en sus modos de representación o preocupaciones temáticas, pero procedentes de distintos contextos históricos y culturales. En esta primera entrega de la serie, comisariada por Tamar Garb, la emblemática obra de Picasso puede verse por primera vez junto a African Guernica [Guernica africano] (1967) de Dumile Feni (Worcester, Sudáfrica, 1942 – Nueva York, 1991), uno de los artistas clave de la modernidad africana. 

   La obra de Dumile Feni, de marcado carácter biográfico, surge en el contexto de violencia estatal y opresión racial institucionalizada del apartheid sudafricano. Creado durante la década de 1960, African Guernica invoca la obra de Picasso, no solo en su título sino en sus sinergias con el vocabulario visual del artista español. De esta manera, el gran dibujo a carboncillo de Dumile Feni recurre también a la simplificación y distorsión expresiva de las figuras, al tono monocromático y la iluminación dramática, a la abstracción y dislocación del espacio o, incluso, a las conjunciones entre animales y seres humanos. Pero no son solo los elementos formales los que resuenan en las versiones española y africana de Guernica, también es crucial el uso compartido de una escala monumental para poner de relieve la violencia inherente a todas las situaciones de guerra, discriminación y opresión de la historia.

Aunque se ha expuesto con frecuencia en Sudáfrica, African Guernica nunca ha viajado al extranjero. Dispuesto en estrecha relación con la obra de Picasso por primera vez, esta presentación invita a quienes visitan la exposición a especular sobre las semejanzas y diferencias de las dos obras, realizadas en contextos históricos y geográficos diferentes, así como a conocer otras obras del artista sudafricano que también forman parte de la presentación. El enfrentamiento entre el grito de angustia antibélico de Picasso en el escenario de la Guerra Civil española con el dibujo sudafricano creado treinta años después en el contexto de cruda violencia del apartheid sudafricano invita a reflexionar de forma crítica sobre diferentes cuestiones que la muestra plantea. 

La historia no se repite, pero rima es un ciclo de intervenciones en la colección del Reina que consisten en yuxtaponer un equivalente al Guernica de otro tiempo o ámbito geopolítico, contextualizado por un trabajo académico de historia del arte como marco inter­pretativo.

Exposición. El cuadro del hambre

 Museo Nacional

      del Prado

El cuadro del hambre

27/4/2026 - 13/9/2026 

Este enorme cuadro (315 x 437 cm), hoy desconocido para el gran público, acaparó en su día todas las miradas en el museo, donde llegó a eclipsar a las figuras de Francisco de Goya y José de Madrazo durante el reinado de Fernando VII.

  “El objetivo es invitar al espectador a contemplar una obra que, más allá de sus méritos estéticos, nos ayuda a reflexionar sobre aspectos de la historia del arte que a menudo pasan inadvertidos", según Miguel Falomir, director del museo.

  Aclamada como un gran hito artístico de su tiempo, jaleada en la prensa, multiplicada en estampas, celebrada en canciones y poemas, esta pintura de historia también sirvió como artefacto político. La reconstrucción de su ubicación original en el Museo del Prado en 1819, convertida en uno de sus principales iconos —por encima de obras hoy indiscutibles como Las meninas—, desvela el peaje ideológico que impuso el absolutismo de Fernando VII.

  La muestra analiza, hasta el 13 de septiembre en la sala 66 del edificio Villanueva, el auge y caída de una gloria nacional que pasó de ser la metáfora visual más potente de la España del siglo XIX a convertirse en mera anécdota local. Mediante este ejercicio expositivo, el Prado invita a reflexionar sobre los vaivenes del arte y de la crítica, la propaganda, la invención del gusto y el papel de los museos.